Muzzix

Tombée

VincentT — 2025-02-17T09:49:36Z

"Conçue comme un labyrinthe musical, le clavier devient une architecture sonore à arpenter, où exploration et destination se confondent."
- Jean-Luc Guionnet

Solo de clavecin

Une composition de Jean-Luc Guionnet dédié à la claveciniste Barbara Dang et son clavecin à double clavier.

Ce projet mêle différentes influences musicales et revisite la suite de danses baroque en utilisant des techniques de jeu novatrices. C'est un labyrinthe musical, où chaque note représente un pas dans une structure complexe où le clavecin devient un espace à explorer.
Une métaphore de la quête musicale, où l'exploration est aussi importante que la destination.

Des interprétations, une seule fin

Bien que l'interprète choisisse l'ordre des danses dans la pièce, toutes se terminent par la danse qui lui donne son nom Tombée. L'œuvre évoque des thèmes de chute et de mémoire, et rend hommage à des musiciens comme Thelonious Monk et Johann Jakob Froberger.

Tombée est jouée sur un grand clavecin avec deux claviers, chacun ayant des gammes différentes, ce qui permet de créer des sons uniques. Certains touches de l'instrument peuvent également produire des effets spéciaux. La musique met l'accent sur les gestes du musicien et sur la façon dont chaque note contribue à un ensemble plus large, comme un labyrinthe de sons interconnectés.

Sakina Abdou

VincentT — 2024-07-04T09:34:24Z

Après avoir collaboré au sein de Muzzix en duo avec BI-KI ? aux côtés de Jean-Baptiste Rubin, en trio avec Abdou/Dang/Orins ou encore au sein du projet Le Cercle // Muzzix, Sakina Abdou entame en 2021 un travail de recherches sonores autour de son solo, suite d'une commande du label de jazz d'avant-garde new-yorkais Relative Pitch Records pour la sortie d'un album solo en 2022.

Sakina Abdou développe un solo de saxophone qui a autant vocation à produire un disque qu'à développer une forme de concert. Cheminant depuis plus de vingt ans sur divers sillons esthétiques et s'adaptant aux différents contextes et expérimentations artistiques, cette recherche est pour elle l'occasion de se positionner individuellement d'un point de vue musical et instrumental.
L'élaboration de ce solo s'effectue à travers plusieurs concerts, à la fois en solo et via des rencontres qui lui permettent d'aborder différemment la question de l'intervention soliste. Une manière d'ouvrir, de confronter, de vivre et partager son processus de création avec divers publics.

Sakina Abdou (saxophones, flûtes)

Centre aéré

Hugo G — 2024-03-04T09:43:14Z

Un batteur, une batterie, des micros, des impulsions électriques. Des solos amplifiés d'effets en quadriphonie qui utilisent comme matière première la texture sonore et les harmoniques de l'instrument acoustique, et finissent par créer au bout du tunnel d'envoûtants paysages rythmiques et soniques. Parfois même jusqu'à la mélodie.

C'est en 2014, lors de sa participation au festival Incubate à Tilburg en Hollande, que Frédéric L'Homme est amené à participer à une pièce pour batterie écrite par Kid Millions, batteur du groupe Oneida. Son approche expérimentale de l'instrument lui a immédiatement inspiré des idées conceptuelles qu'il a voulu mettre en pratique au sein d'un trio composé uniquement de batteurs. N'ayant pu faire aboutir ce projet de façon collaborative, il a laissé mûrir l'idée d'exploiter seul avec l'aide d'outils informatiques ; c'est sous cette forme qu'il a présenté ce projet dans le cadre d'une résidence à l'Orange Fluo, avec le soutien de Muzzix.

Ayant toujours envisagé le jeu de batterie et de percussions de façon très organique, ce solo de batterie augmenté vient poser la question du dépassement des limites sonores de l'instrument à l'aide d'effets de jeu, mais aussi d'effets électroniques simples, afin de le faire sortir de son rôle classique d'accompagnement rythmique en créant des textures qui vont amener d'autres dimensions sonores, voire même mélodiques et harmoniques. Frédéric L'Homme a l'ambition de pousser l'instrument dans ses retranchements et de faire de la batterie l'orchestre total d'une expérience sonore pour le spectateur. Au cœur même de ce projet musical se trouve l'adéquation entre un instrument acoustique et le système de diffusion accompagnant la retransmission du son au public. Le travail autour des harmoniques de l'instrument se fait par l'utilisation de différents effets à travers la captation des éléments essentiels de la batterie, et diffusés sur 4 enceintes placées aux 4 coins de l'espace de diffusion permettant un jeu quadriphonique au sein duquel l'auditeur se meut librement, en immersion totale dans le champ sonore.

Plusieurs influences se mêlent sur ce projet mais l'une des plus fondatrices est celle de Man Forever de Kid Millions et ses pièces écrites pour batterie et percussion, qui mettent en jeu les conditions acoustiques inhérentes à l'instrument lui-même mais aussi au lieu dans lequel elles prennent place. On peut également citer aussi plus largement l'influence de la musique improvisée, dont divers projets Muzzix que qu'il a pu côtoyer ou dont il fait partie. On peut citer "La Pieuvre" pour les pièces expérimentales basées sur des concepts sonores et le sound painting, ou encore la pièce Radiolarians de Michael Pisaro-Liu par le Grand Orchestre de Muzzix dont il fait partie, qui lui a permis d'aborder des éléments de réflexion quant à la question de la spatialisation du son qui est centrale dans son installation.

Ce projet a rencontré son public sous forme de test lors d'un concert programmé par Muzzix le 3 avril 2023 et a depuis été développé en collaboration avec Antoine Rousseau, musicien et concepteur d'installations interactives qui l'a aidé et créé l'outil informatique qui répond parfaitement à ses attentes musicales et sonores.

Parlato - Le continu à souffler

VincentT — 2023-10-24T12:35:21Z

Ce solo est inspiré d'un travail de recherche sonore autour des anciennes filatures de la Région.
Les voix et les témoignages des ouvrières se tressent avec des sons d'archives des machines
textiles lorsque le souffle organique de la flûtiste se transforme en bobines de son.
Des trames sonores, des mailles à l'endroit, des mailles à l'envers, des mailles croisées se
tressent entre la flûte, l'électronique et le jeu d'objets d'où émergent des paysages sonores
évocateurs du quotidien des ouvriers du textile et d'où il est possible entendre résonner leur coeur
à l'ouvrage.

Guionnet - La symphonie guerrière

Pauline — 2023-03-08T16:31:07Z

Avec son solo La symphonie guerrière, Patrick Guionnet propose une symphonie en trois mouvements pour un clown sombre. Elle regroupe les spectacles et performances mettant en jeu son personnage de guerrier solitaire :
un double de lui-même, une métamorphose, qui l'engage dans un parcours artistique étrange et singulier.

Cette symphonie est en trois mouvements indépendants qui peuvent aussi se lier entre eux :
– Premier mouvement : Le Skieur post atomiK
– Deuxième mouvement : Mon Solopéra noise
– Troisième mouvement : Air de jeu

Pruvost - Out To Breathe

Jean — 2022-01-05T15:52:17Z

« Maryline chante comme Nico et Ella Fitzgerald. La musique est douce et claque comme des gifles. Elle donne envie de tourner comme un fil de fer avec les bras qui s'affolent, les cheveux peignés par un oreiller et la cicatrice du sourire jusqu'aux oreilles. » Eric Mimosa

Du son de l'harmonium, du souffle de la voix, au détour d'une mélopée/die dont les chemins harmoniques mènent à l'expérimentation sonore, émergent une improvisation tantôt haletante, tantôt hésitante.

Harmoniques de la voix, souffles, unissons avec l'harmonium, consonances, dissonances, voix gutturale, voix chantée, l'exploration ne se veut pas exhaustive mais guidée par la recherche
de l'entremêlement avec l'harmonium.

L'harmonium indien est exploré tantôt dans ses possibilités d'accompagnement de la voix à l'instar de l'utilisation qui en est faite dans la musique sacrée occidentale, tantôt comme instrument soliste, comme dans la musique traditionnelle indienne, même si ces musiques ne sont jamais convoquées stricto sensu.

« Nourrie par les musiques traditionnelles et populaires, par le jazz, les musiques dites savantes, les musiques expérimentales, ma démarche s'inscrit dans l'exploration multiple et infinie de deux éléments constitutifs de ces musiques : l'écriture et l'improvisation. Ou le jeu (comme les enfants l'entendent, l'action désintéressée de naviguer d'une rive à l'autre) entre l'interprétation et l'invention, entre la part de prévu et d'imprévu, tant dans la matière « mot » que dans la matière « son ».
La respiration, le souffle, l'articulation de la voix, amènent à une réflexion sur l'utilisation (ou non) de mots porteurs de son, en premier lieu, puis si le besoin s'en fait sentir porteurs de sens. » Maryline Pruvost

Orins

2020-02-12T08:03:36Z

Site web de Peter Orins

Solo acoustique

Après avoir expérimenté l'aléatoire et la transformation électronique (voir Empty Orchestras– 2014), Peter Orins revient cette fois avec sa seule batterie, et quelques objets, bols, bois, coquillages …
En tant qu'improvisateur, il s'intéresse aux textures sonores, à l'ambiguïté des timbres et de leur production, à la saturation des sons ou aux harmoniques propres à chaque instrument : faire entendre à la fois les bruits “microscopiques” des peaux ou des métaux frottés, frappés, préparés, à très faible puissance, et les pressions acoustiques ressenties à fort volume.
Sa démarche fait la part belle au hasard, à l'incontrôlé via les petits accidents, les interactions acoustiques entre les objets, les percussions, les résonances et sympathies dues à certaines fréquences ou vibrations. Soit une certaine forme de fragilité, de maladresse ou d'imprécision, non seulement intégrée mais souhaitée, qui transcende les erreurs en effets forcément inattendus, en une découverte non intentionnelle, qui de ce fait installe un autre rapport au temps.
Sa pratique, influencée notamment par sa rencontre avec les musiques minimalistes et des compositeurs comme Michael Pisaro, James Saunders ou Anthony Pateras, l'a amené à aborder la pièce « Having Never Written A Note For Percussion » de James Tenney (issue des Postal Pieces, écrite en 1971), morceau qui agrège les différentes préoccupations du musicien autour du temps, de la progression, de la dynamique et de la richesse des timbres…

Peter Orins (batterie)

Solo électronique

Le projet de Peter Orins pourrait être qualifié de solo accompagné. Le batteur a en effet conçu un dispositif électronique suffisamment autonome pour pouvoir l'influencer dans son jeu de façon presque imprévisible. Dès lors une sorte de dialogue s'instaure entre le musicien et le programme où les rôles habituels sont inversés : le batteur propose une forme entêtante et répétitive, les transformations et traitements aléatoires réalisés en direct amènent le désordre propice à l'improvisation. Timbres magnifiés ou au contraire progressions rythmiques perturbées provoquent des accidents bienvenus ou prolongent les résonances de l'instrument. Dans ce jeu entre timbres naturels des cymbales et des peaux et déformations amplifiées de l'électronique, Peter Orins vise la vibration et la saturation pour produire une musique faite de rythmes et de textures sonores extrêmes et puissantes.

Peter Orins (batterie, électronique)

Pruvost

2020-02-12T08:03:15Z

Christian Pruvost : trompette

Depuis plusieurs années, Christian Pruvost multiplie les collaborations que ce soit dans le domaine du jazz ou de la musique improvisée (il est un des membres fondateurs des collectifs Muzzix et Zoone Libre).

"A son sujet, les généalogistes ne manquent déjà plus d'évoquer la famille post-dixonienne des Dörner, Kelley, Hautzinger, Kerbaj ou Ulher... c'est pourtant oublier que le jeune musicien accompli qu'est Christian Pruvost ramène la trompette à une plasticité toute charnelle et l'emporte vers une pneumatique éminemment poétique, personnelle et sereine.

Détendeur et porte-voix, outil de succion et de pulvérisation, la trompette est, entre ses mains d'improvisateur, un appareil respiratoire - inspiratoire & expiratoire - qui, abouché à l'organisme, étend et explore le corps du musicien.

Homme-paysage, Christian Pruvost abrite une île : il en vomit cicindèles & cétoines dorées, bourdons & phalènes - et c'est un luxuriant abécédaire d'élytres qu'il convoque dans sa pratique intime de l'entomologie sonore.

Homme électrique, Christian Pruvost abrite aussi une ville de tuyères, clapets, vannes et valves : dansant et du bout des pales, en gestes ondulatoires, par des architectures mouchetées de goudron, il en recreuse, réinvente et habite l'espace."

Guillaume Tarche

CP17

Le principe de CP17 est de constituer un trio individuel à partir des sons utilisés par Christian Pruvost dans ses solos de trompette. Deux enregistrements non transformés de ce matériel sonore sont diffusés par deux haut-parleurs, avec lesquels le musicien va interagir en jouant de la trompette en direct. Si l'organisation temporelle de la succession des événements sonores est figée une fois pour toute, la lecture de la bande et les rapports entre pistes gauche et droite sont quant à eux modifiés à chaque réalisation, créant les conditions d'une interprétation différente à chaque représentation.
CP17 est une composition de Yanik Miossec.

Christian Pruvost (trompette, objets), Yanik Miossec (composition)

Ipteravox

En solo ("Ipteravox" paru en 2010 sur Hélix/Circum-Disc), il explore le spectre de la trompette, du souffle le plus doux jusqu'aux éclats les plus vifs. Dans un jeu tout acoustique, il développe son discours très sereinement, appuyé par quelques objets qui lui confèrent une richesse de timbres supplémentaire, et projette l'auditeur dans un univers riche en timbres et fréquences véritablement inouïs.

Christian Pruvost (trompette)

Retrouvez l'album de Christian Pruvost sur le site de Circum-Disc.

Photo : Eric Flogny

Ipteravox

Christian Pruvost solo - Ipteravox

Extrait d'Ipteravox (Circum Disc, 2009)

Christian Pruvost solo - Feedback Plate

Extrait d'Ipteravox (Circum Disc, 2009)

Dang

Marion — 2018-03-21T11:17:05Z

Pianiste de formation classique et de jazz, esthétiques dont elle s'est détournée, l'univers sonore de Barbara Dang va de la musique expérimentale écrite à une musique improvisée. Elle travaille auprès d'Olivier Benoit et de Jérémie Ternoy puis rencontre d'autres musiciens et compositeurs tels que Sophie Agnel, Didier Aschour, Michel Doneda, Daunik Lazro, Radu Malfatti, Michael Pisaro... Elle développe un répertoire de piano solo (John Cage, Cornelius Cardew, Henry Cowell, Morton Feldman, Tom Johnson, Federico Mompou, Erik Satie...) qui met en jeu des techniques inhabituelles (piano préparé, amplifié, jeu à l'intérieur) où l'action musicale pure est privilégiée par rapport à une expression individuelle esthétisée.

Au sein de petites formations ou de grands ensembles (La Pieuvre, Le Grand Orchestre de Muzzix, Dedalus), elle explore d'autres instruments tel que des objets amplifiés, l'électronique, l'orgue ou l'épinette.

Orins

Marion — 2017-07-07T08:13:05Z

D'origine franco-suèdoise, Stefan Orins est né en 1970 à Roubaix dans le nord de la France. Après deux courtes années en école de musique à l'âge de 12 ans, il préfère aborder la musique de manière autodidacte, recherchant toutes sortes de sonorités sur le piano familial. Pendant ses études d'Arts Appliqués, il se passionne pour le jazz et commence à prendre des cours particuliers avec Jean-Luc Drion qui lui fait découvrir les standards…

En 1992, il entre en section jazz du Conservatoire de Région de Lille où il rencontre l'ensemble des futurs membres fondateurs du collectif Circum. Il étudie avec Jean-François Canape, Yves Torchinsky, Cyrille Wambergue, Gérard Marais, Guy Gilbert, et suit les Masters Classes de Riccardo Del Fra, Tommy Smith, Dominique Pifarely, Bojan Z, du trio John Abercrombie/Joe LaBarbera/Hein Van de Geyn, Sophia Domancich, Hélène Labarrière, Stefano Di Battista… Il sort médaillé de la section Jazz en 1997. Entre 1997 et 2000, il étudie le piano classique avec Pierre N'guyen et pendant la période de 2006 à 2009 avec Caroline Wrobel-Siesse.

Stefan Orins est membre du collectif Muzzix, Muzzix est un collectif de trente musiciens, basé à Lille, en activité depuis la fin des années 90 (sous la forme initiale de deux structures Le crime et Circum).

Il s'est produit en France, Grande Bretagne, Allemagne, Belgique, Luxembourg, Pologne, Italie, République Tchèque, Slovaquie, Lettonie, Suède, Égypte, Maroc, Russie, Ukraine, Autriche.

Site de Stefan Orins